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El miércoles visité el estudio de Madeline Weinrib en la 5ª Avenida de Nueva York.

Ubicado en un impresionante loft, su nuevo estudio (el anterior estaba en su apartamento, encima de un pequeño museo en el SoHo) está, como uno hubiese imaginado, lleno de elementos decorativos e inspiradores, además de montones y montones de muestras de tela, libros y fotos.

En una conversación informal, Madeline explicó el motivo de pasarse de pintar a diseñar telas en 1997 (aunque se le “olvidó” mencionar su conexión con la empresa de su bisabuelo), su red mundial de artesanos y proveedores, y sus “inspiraciones” obvias de diseño patrones históricos (curioso cómo considera que grandes fabricantes le “roban” al copiar “sus patrones”, cuando su trabajo es una “apropiación” tan obvia de diseños histórico-culturales como el zig-zag o los patrones de diseño geométrico musulmanes, como lo describe en esta entrevista).

Pero por encima de la charla pseudo-cultural, de estilo, y mercado, la cosa iba de networking. Renée Price (Directora de la Neue Gallery), Margot Norton (Curadora Asociada del New Museum), y un par de pintores presentes en la habitación hablaban como los buenos amigos que son, haciendo que pareciese tan natural e incluso positivo, algo que puede estar matando al espacio del arte contemporáneo: la endogamia. 

Si eres un outsider, como yo, sientes que te miran por encima del hombro. Pero, a diferencia de mi querida vieja Europa, donde si no eres ya parte de la élite, nunca lo serás, esta es la tierra pragmático-materialista: una palabra sobre “propuesta de negocio”, y prácticamente todo el mundo se convierte en tu amigo instantáneo.

Por cierto, gracias por el té, Madi. Incluso la bolsa y la lata en la que venía eran estilosas. Una cosa es innegable: tienes estilo (y conozco a gente que ha estudiado Arte en París y ha viajado por el mundo como tú, y no lo tienen)

Mientras las generalizaciones son generalmente absurdas y dañinas (preguntar “¿Cómo es tener una relación con alguien que padece S. de Asperger?” es una generalización casi tan ridícula como preguntar “¿Qué tal es tener una relación con una rubia?”) es cierto que, por lo general, trabajar con un autista puede ser duro, vivir con uno puede ser insufrible, y serlo es…

Así que, busquemos alivio y ayuda en el conocimiento.

Desde el campo de la investigación genómica llegan interesantes noticias:

El autismo es un desorden del desarrollo neurológico caracterizado por déficits en el lenguaje y comportamiento social. Mientras el cerebro de gente con autismo parece por lo general normal, estudios de imagen cerebral han revelado patrones de crecimiento inusual en niños con el desorden. “Está claro que en los dos primeros años de vida el cerebro crece demasiado grande, demasiado deprisa”.

Los científicos no comprenden todavía la razón de ese extraño crecimiento–ya sea causado por demasiadas neuronas en una parte particular del cerebro, o un fallo en la purga de neuronas extra, algo que ocurre comúnmente en el desarrollo normal. Esperan que unas herramientas poco habituales desarrolladas por el Allen Brain Atlas, una base de datos de expresiones genéticas en cerebros de ratón, pueda finalmente dar pistas.

Los investigadores se centrarán en el cortex prefrontal, un área en los lóbulos frontales involucrada en comunicación de alto nivel social y emocional, y una de las áreas más afectadas por el temprano crecimiento excesivo anormal. Las muestras de ADN permitirán a los investigadores comparar la ubicación y organización de tipos de células específicos, como neuronas exciatorias que conectan las áreas cerebrales exteriores al cortex y las neuronas inhibidoras que forman los circuitos corticales locales.

“Es fundamentalmente importante identificar la causa de ese sobrecrecimiento”. “Puede ayudarnos a comprender cómo desarrollar mejores intervenciones para el autismo, no sólo a nivel comportamental, sino para intervenciones médicas y químicas más adelante.”

En noticias relacionadas:

Una variación estructural específica del cromosoma 16 aumenta dramaticamente el riesgo de autismo, según un estudio publicado en el New England Journal of Medicine. El descubrimiento–uno de los más significativos hasta la fecha–permite el desarrollo de nuevos tests diagnósticos para identificar niños con riesgo, y podría llegar a apuntar a caminos bioquímicos para el desarrollo de medicinas.

Genial: descubrimientos potencialmente importantes en la investigación del ADN puede llevar a pruebas rápidas y económicas, y puede que a medicación en un futuro. ¿Y qué hacemos mientras tanto?

En otro estudio:

Analizando las imágenes de cerebros de adolescentes con una forma de autismo altamente funcional, mientras jugaban un juego de interacción social, los científicos han identificado déficits específicos del desorden. Los investigadores creen que el cambio está ligado a un sentido disminuído de sí mismos. El resultado, recientemente publicado en la revista Neuron, podría ayudar a guiar futuras investigaciones sobre la naturaleza del autismo y potencialmente llevar a nuevas formas de diagnosticar y tratar el desorden.

Si alguna vez has tenido el placer de interactuar con un autista de algún modo profundo y significativo, el sentido disminuído de sí mismos (“dime, defíneme, muéstrame, explícame, demuéstrame…”) es algo bastante obvio. Pero ahora tenemos una anormalidad neuro-anatómica que lo explica. Estupendo.

Mientras, experimentos como este pueden ayudarnos a aquellos de nosotros que parece que tenemos la brújula social distorsionada.

La Japan Society me ha invitado al concierto de L’Arc~en~Ciel en el Madison Square Garden esta noche.

L’Arc~en~Ciel es una banda de rock japonesa formada en 1991 en Osaka. El grupo ha vendido más de 13 millones de albums, y 16 millones de singles. Actualmente están en un tour mundial (obviamente esta noche en NY), y para sus conciertos de Londres y Jakarta ya han vendido todas las entradas y su concierto en NY ha sido mayor de lo esperado.

Dado su sonido JPop-rock, no es de extrañar que el Madison Square Garden estuviese casi repleto de japoneses, aunque había más que adolescentes, como las “respetables mamás” en sus 50s, 3 filas delante de mí, que no podían parar de agitarse, reir y cantar, o el tipo junto a mí, que había acudido con su mujer, que esperaba pacientemente el inicio del concierto leyendo manga en su iPad.

El concierto fue técnicamente impecable (con fuegos artificiales, enormes pantallas, vídeo y animación, todo tipo de luces, etc). La música fue… ¿cómo podría describirla? Desde un punto de vista occidental, la mezcla de ritmos (techno, latin, metal, rock, pop…) era casi insostenible, las letras (no es que entienda japonés, sino las versiones inglesas de un par de canciones en inglés) eran terribles en su aparente simpleza (supongo que “ready, set, go! never lock [sic] back” significa más en japonés, pero…), y la voz de Hyde (que impresionantemente gritó 3 canciones sin para antes de respirar) iba desde agudos falsettos a lo Abba hasta oscuros gruñidos grunge-metal. Y sin embargo, de alguna manera, todo se sostenía sorprendentemente bien.

Pero más allá de los casi pueriles (o quizá no, dado la audiencia presente) de escandalizar por parte del bajo Testsu(ya) con las bananas y los chupa-chups, o la casi cándida carta anecdótica leída por Ken el (estupendo) guitarrista sobre un regalo de Monopoly, el Museo Americano de Historia Natural y la película Una noche en el museo, el verdadero shock del concierto fue Hyde (Hide) mismo.

A parte de su apariencia física (con unas imposibles trenzas rubias y ojos azules con maquillaje de perfil de ojos, y la cara más manga que he visto nunca) y su atuendo (la casi típica mezcla de abrigos largos, mangas sueltas, chalecos, sombrero pamela, collares y otros ornamentos tan asociados al personaje popular japonés romántico-oscuro), sus movimientos sinuosos estilo Bon Jovi y su “baile” tenían un toque femenino, sin mostrarle para nada como afeminado o ni siquiera andrógino.

En definitiva, una noche de disfrute de choque cultural.

Anoche, después de la fiesta del MoMA, cené en Soba Totto.

Es genial que NY tenga tantos restaurantes japoneses tan buenos. Este no era una excepción. Kotani sensei es un verdadero maestro del antiguo arte de hacer soba:

Más vídeos aquí.

Anoche fui a la fiesta “noche de socios” del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

La “fiesta” fue, como la mayoría de “fiestas” en EEUU: bebida, y gente. Eso fue básicamente todo. La música estaba tan bajita que casi era imperceptible (a diferencia de la fiesta del New Museum, donde los DJs intentaban hacer imposible hablarle a la persona que tenías al lado).

Así que ¿por qué tanto interés? ¿Por qué ir a una “fiesta” que básicamente no tiene nada que ofrecer en términos de “diversión”? Respuesta fácil: para ver y ser visto.

Sólo los miembros (y sus invitados) podían acceder. Así que todo el mundo era un miembro. Comunidad, identidad, pertenencia, exclusividad, poder, hacer contactos… todo a través de un mecanismo simple: la artificial (hasta cierto punto) escasez del acceso. Y donde hay escasez, hay potencial económico en una economía (sociedad) capitalista-consumista.

Lo triste es que seguro que mucha de esa gente nunca va al museo o le importa lo que tiene colgado. Algunos ni siquiera aprovecharon la oportunidad de visitar las galerías abiertas. Pero charlaron, socializaron, presumieron (ya sea de un reloj de oro o de unos tacones absurdamente altos), y hacían como que se sentían “cómodos con la cultura” mientras formaban parte de la élite.

Esta mañana he estado en la Feria de Arte Pacifico-Asiático de NY en la 7W de la calle 34th y la 5ª Avenida.

Aunque no era enorme en tamaño, y estaba lleno de dealers que vendían sobretodo antigüedades chinas e indias (pero también obras contemporáneas y de otros lugares asiáticos, desde Japón a Vietnam), había algunas piezas extremadamente interesantes que han capturado mi atención, como la exhibición especial de la colección Joseph G. Gerena de arte Ainu (con énfasis particular en varas oratorias Ikupausy Ikupasuy), las pinturas de Hong Viet Dung que llevaba  Judith Day, las maravillosas hojas de washi mostradas por Hiro Odaira (Precious Pieces), las bolsitas de Mark Walberg Fine Art and Antiques, y sobretodo, una pieza del maravilloso arte yugen que Shari Cavin de Cavin-Morris Gallery me ha explicado con detenimiento: un profesor de cerámica japonesa pone libros universitarios de física descartados (obsoletos) en un horno, a la temperatura adecuada, donde la tinta desaparece, la páginas se arrugan y el sílice del libro cristaliza, dejando un nuevo objeto. Sublime. 

Una mañana encantadora. Esta noche, fiesta en el MoMA.

Ayer fui a la fiesta de clausura de exposición de WhiteBox. La invitación decía:

El autor y curador Raul Zamudio en conversación con Mookie Tenembaum.

Por favor únase a nosotros en White Box para la recepción de clausura de DISILLUSIONISM, y para participar en una estimulante conversación entre Raul Zamudio y Mookie Tenembaum a las 8pm en punto. Mookie presentará su nuevo libro de artista, Paranoia. Se servirá vino Malbec y trufas.

Aunque agradezco la invitación y definitivamente fue un evento interesante, algunas cosas piden a gritos que las comente. Aquí van algunas curiosidades del evento:

• Conocí a Igor(?), el hombre ruso que “le salvó el culo a la galería” (según el Director, J. Puntes). El proveedor de hosting de la web de la galería (Dreamhost) fue hackeado y las contraseñas robadas. Como resultado, su web fue redirigida a lo que a ellos les gustaba decir que era una web porno (aunque en realidad era una falsa tienda de medicamentos online). Y ya que nadie recordaba la dirección del FTP o la contraseña, su web fue “secuestrada” durante dos días, hasta que Igor consiguió arreglar el entuerto.
• Encontré el trabajo del Sr. Tenembaum interesante, una llamada de despertar con escupitajo en la cara, bastante literal y obvio. Aun así, cuando se lo comenté, de un modo completamente argentino me dijo “todo es subjetivo, no hay forma de que puedas experimentar lo que es ser yo igual que no hay forma de que yo pueda experimentar lo que es ser tú”. Claro. No me extraña que su país sea la fábrica mundial de psicólocos.
• La estimulante conversación se supone que empezaba a las 8pm en punto. Lo que en el mundo del arte parece que significa las 8:45pm.
• Aun más divertido: la que montaron para conseguir que funcionase el audio del proyector, el cual tuvieron que acto seguido dejar en silencio porque de lo contrario no hubiésemos podido escuchar la estimulante conversación. También fue bastante absurdo verles pelearse con un foco, que intentaron enfocar directo a la cara de los contertulios, cegándolos completamente, por el bien superior de “que quede constancia de todo esto en vídeo”.
• Las trufas eran queso y nueces, por cierto. Extraño como gente que pasaba por la calle veía lo que ocurría dentro, entraba, cogía vino y queso, y se iba, sin ni siquiera interesarse por el arte que estaba expuesto. Triste. Realidad.

Pero, al final, resultó se una tarde divertida, no-pretenciosa, “real”. Qué pena que hiciesen tanto esfuerzo para “mantenerla real”. Demasiado, si me preguntan.

El domingo por la tarde fui a la Bienal 2012 del Museo Whitney de Arte Contemporáneo Americano. 

Comí deprisa, preocupado porque no me iba a dar tiempo a visitar toda la exposición (ya que sólo tenía unas pocas horas). ¡Qué equivocado estaba!. Digamos que fue taaaaaal decepción (por lo menos para alguien, como yo, que no sé casi nada de arte), que salí con una sensación de pregunta. No sobre las obras, sino quién, cómo, y porqué, decidieron incluirlas en la exposición. 

Por supuesto había alguna excepción meritoria, pero estaban enterradas entre todo ese “ruido” y “basura”. ¿Es eso lo que intentaban transmitir, mostrar? Todo lo que sé es que el New Museum parece mucho mejor adaptado al arte contemporáneo que el MoMA PS1 o el Whitney. EMH(e ignorante)O.

Y qué decir de su absurda política de “fotos permitidas, pero en el 5º piso no, en el 4º tampoco, en el 3º tampoco, en el 2º sí, y en el 1º depende”.

¡Qué diferente de si iniciativa de Net Art Artport!

Por lo menos no salí con las manos vacías, y adquirí una pequeña pieza (Vintage Button Wrap Bracelet) de Susan Van Dyke (más conocida por sus diseños de pendientes).

El domingo por la mañana fui a la Asia Society para asistir a la mesa redonda titulada: “El futuro del pasado - Coleccionar arte antiguo en el siglo 21” presentado por el American Committee for Cultural Policy junto con Asia Week. 

Los miembros de la mesa redonda eran:

• Naman Ahuja, Profesor de Arquitectura y Arte Indio, Universidad Jawaharlal Nehru, Delhi, India
• Kate Fitz Gibbon, abogada y autora, ex-miembro del Consejo Asesor Presidencial de Propiedad Cultural
• Kurt A. Gitter, co-fundador del centro de estudios artísticos Gitter-Yelen, New Orleans
• Arthur Houghton, ex-diplomático, curador del Museo Getty de Los Angeles y miembro del Consejo Asesor Presidencial de Propiedad Cultural
• James Lally, marchante de arte internacional
• James McAndrew, ex-miembro de la Homeland Security, experto en aduanas de EEUU sobre investigación de arte internacional y derecho mercantil
• Julian Raby, Director de la Galería Arthur M. Sackler y la Galería Freer, Smithsonian Institution, Washington D.C
• Marc Wilson, ex-director del Museo Nelson Atkins, Kansas City
•  Y moderado por Melissa Chiu, Vice Presidente para Artes Globales y Programas Culturales y Directora del Museo, y Vishakha Desai Presidenta, ambas de la Asia Society.

El auditorium estaba a tope (y más), por un motivo: ¡era una charla excelente!

Aunque las dos horas merecen mención, sumarizo algunos de los puntos de interés particular:

- La Sra. Fitz Gibbons abrió la discusión introduciendo una (aparentemente absurda y amenazante) propuesta legislativa.

- El Sr. Houghton presentó los resultados de un estudio sobre antigüedades romanas de más de $1.000, de las cuales entre 67.000 y 120.000 quedarían fuera del mercado (coleccionismo, museos, etc) si esta nueva legislación se aplica (nos pidió que imaginásemos el efecto en otras obras, como Pre-Colombinas, Asiáticas, etc).

- El Sr. Gitter propuso la Japanese Agency for Cultural Affairs como modelo (aunque no perfecto) a estudiar y seguir.

- El Sr. Wilson teme una “caza de brujas” si los museos y coleccionistas son vistos por las generaciones más jóvenes como “apropiadores” de objetos históricos y culturales, y habló de “WikiLoot” un proyecto que ya está en marcha, que podría convertirse en una pesadilla de justicieros si se sale de madre.

- El Sr. Ahuja nos recordó el impacto emocional de la posesión y control de obras de arte.

- El Sr. Lally hizo los apuntes más incisivos, sobre el entorno “retencionista” actual (“derechos morales”, más que legalidad o razón), y el problema mayor (la destrucción de innumerables yacimientos arqueológicos por un “desarrollismo” descontrolado).

- El Sr. McAndrew nos mostró cómo funcionan los agentes y aduanas y lo que buscan (básicamnete: inconsistencias).

- El Sr. Raby culminó con propuestas constructivas: divulgar un modelo de mercado, reciprocidad, y administración (más que propiedad).

Una mesa redonda verdaderamente sensacional, inspirador y constructiva… ¡¡gracias!! (Como extra: el folleto que me encontré a la salida sobre la Red List).

El sábado por la tarde fui a la charla Curadores Independientes Internacionales y el New Museum presentan La Perspectiva del Curador: Rosina Cazali. Aunque había una interesante charla en Sotheby’s titulada “Maestros de Ming y Qing: Pinturas y Caligrafías Chinas en Sotheby’s” por Arnold Chang, previo a su exhibición y subastaPintura Clásica China. No sé cómo fue la charla de Sotheby’s, pero esto es lo que vi y escuché en el New Museum.

Mientras las exposiciones mostradas en las proyecciones de la charla no fueron tan impresionantes, hubo cosas que disfruté y aprecié, como la determinación de dar la charla en español (con traducción simultánea, pese a que la Sra. Cazali habla inglés perfectamente) como mensaje político y cultural sutil, y los interesantes puntos de vista de la Sr. Cazali sobre los procesos curatoriales y el arte.

Pero, al final, mi impresión fue triste, porque los temas que escogió como curadora, y los artistas que escogió y mostró  como representativos de su trabajo y el arte en Guatemala en las últimas dos décadas, prácticamente todos giraban en torno al tema común de la violencia del período de la guerra civil. Y como Juan Cárdenas explicó a Glenn Lowry (Director del MoMA) en una carta abierta (gracias por el enlace, Nebula) hablando sobre arte contemporáneo Colombiano: 

[...]

Al señor Glenn Lowry le parece muy interesante que nuestros artistas invoquen como tema de su obra la guerrilla, la violencia y las drogas (fenómenos que ya llevan más de 40 años). Dice que “los grandes artistas siempre responden a sus entornos”, frase muy vaga, que, se supone, aludía a esas calamidades. Pero ¿qué artistas importantes dedicaron su obra a comentar, por ejemplo, la Guerra Civil de los Estados Unidos? ¿O la Primera o Segunda Guerra Mundial? Los que lo hicieron produjeron un arte mediocre, salvo el caso solitario de Picasso con su Guernica, que, con toda su fama e inmensa divulgación, no ha tenido prácticamente ninguna influencia sobre la mentalidad guerrera del hombre, como tampoco la han tenido Los desastres de la guerra, de Goya, a pesar de la maravilla que son.

Cuando Picasso comentó sobre la guerra de Corea en un cuadro de la época produjo algo vergonzoso. ¿Y qué decir del historiador de arte Mayer Schapiro, que criticó a Monet por no haber comentado con su obra la Guerra Franco-Prusiana? El arte visual no es la herramienta más eficaz ni adecuada para combatir las dolencias y perversidades de la sociedad, como sí lo es el periodismo.

[...]